Takamine

Comenzamos nuestra charla con uno de los guitarristas más respetados y aclamados del mundo, el artista de Takamine Signature John Jorgenson, asegurándonos de que su casa de Ventura, California, no se ha visto afectada por los recientes incendios forestales que hemos sufrido en el sur de California. "En realidad fueron los incendios del año pasado los que nos obligaron a evacuar en su momento. Este año, sólo hemos tenido que lidiar con humo y ceniza". La guitarra de John, ya sea en su banda de bluegrass J2B2, en su quinteto homónimo de jazz gitano, en su etapa con los Hellecasters o como acompañante de artistas como Bonnie Raitt, Elton John, Luciano Pavarotti y Bob Dylan, siempre tiene un elemento ardiente.

¿Recuerdas cuándo conociste Takamine por primera vez?
Probablemente la primera vez que vi Takamine fue cuando en los años 70 llegaron a mis tiendas de música locales algunas copias realmente fieles de guitarras Martin. Cuando realmente presté atención fue en 1985. Estaba de gira con Dan Fogelberg, acompañándole a la guitarra y también como telonero. Era una gira acústica y yo tocaba una guitarra completamente acústica. Hacía poco que había visto a David Grisman Quintet, que tocaba unos instrumentos acústicos preciosos con micrófonos Neumann en teatros. Así que pensé que este sería el mismo tipo de montaje, tocando con micrófonos... pero cuando el técnico de sonido se me acercó con un cable y me preguntó: "¿Dónde quieres que enchufe esto?". Le contesté que no tenía pastilla, que pensaba tocar con micrófono. Me miró como si fuera de Marte.

Así que empecé toda esta odisea para intentar encontrar una pastilla cuyo sonido me gustara, y durante todo el verano seguí probando cosas diferentes. Al final de la gira, entré en una pequeña tienda de música y probé una Takamine. Me dije: "Dios mío, ¿por qué no tenía esto al principio de la gira?". Esa guitarra se convirtió en mi guitarra de cabecera siempre que necesitaba estar en un gran escenario y enchufarme. Es lo que usaba siempre que necesitaba tener ese sonido acústico en el escenario de un concierto en directo.

Hablemos de tus modelos Takamine Signature, la JJ325SRC y la versión de 12 cuerdas. Para empezar, ¿cuál fue el motivo de la elección de la forma dreadnought?
La forma en que llegué a esa guitarra fue tocando una guitarra similar de gira con Elton John en 1995. Era una dreadnought con cutaway. Cuando llegó el momento de crear mi modelo Signature, me inspiré en la guitarra que ya estaba tocando. Sólo pedí unos pocos cambios. Quería que el acabado fuera más fino y que los tirantes fueran más pequeños. Los tirantes estrechos dejan que la tapa hable un poco más.

Ese primer modelo tenía un preamplificador digital. Tenía reverberación incorporada, una amplia sección de ecualización, y podías hacer todos estos ajustes y guardarlos.

¿Qué?
¡Me encantó! Pero a la mayoría de la gente no porque era demasiado complicado para ellos. Creo que se llamaba DSP-1.

Hablando de preamplificadores, tu modelo signature utiliza el sistema de preamplificación CT4B II y la pastilla Palathetic, y las guitarras Takamine son conocidas por poder llevar su sonido de estudio al directo con facilidad. ¿Haces algo especial más allá de enchufar y tocar para los directos?
Depende de lo que esté haciendo. Si es con un batería y va a haber mucho ruido, me conecto y listo. Si es una situación más acústica y un poco más delicada, utilizo un pedal llamado ToneDexter. La pastilla Takamine Palathetic funciona muy bien con el ToneDexter. Le conectas un micrófono y la guitarra, y hace que la guitarra suene un poco más como un micrófono. Ajustas el nivel y lo guardas. Funciona muy bien. Luego, cuando quitas el micro y tocas solo con una pastilla, la pastilla Takamine es tan discreta que también funciona perfectamente en esa situación.

Otra cosa sobre tu modelo signature de Takamine: ¡es precioso! El tinte rojo de la tapa de abeto y el contraste del golpeador blanco son totalmente únicos. ¿Cuál fue la inspiración para estas elecciones en el aspecto estético de la guitarra?
El rojo surgió básicamente del hecho de que me gustaba la guitarra roja que ya tenía. En cuanto al golpeador, siempre me ha gustado el material ivoroid que se veía en las viejas mandolinas Gibson de los años 10 y 20. Ese material ivoroid frente al rojo es lo que me ha inspirado. Ese material de marfil contra el rojo era precioso. En realidad fue un gran problema porque el material tenía que ser de origen, y no era fácil de encontrar. Creo que estamos en la segunda generación del material que compramos para ese golpeador. Takamine estuvo buscando algo que pareciera correcto. Pero junto con el ribete blanco de la guitarra y los afinadores blancos nacarados... es un aspecto realmente elegante.

¿Tomar una guitarra diferente te inspira a tocar de formas distintas?
Exactamente. Se me conoce como multiinstrumentista y toco en múltiples estilos. La gente me pregunta a menudo si me confundo, como si fuera a coger un instrumento de bluegrass y empezar a tocar licks de gypsy jazz. Lo que ocurre es que el instrumento es un paquete completo. Tiene una respuesta y un tacto determinados. Incluso utilizo un tipo diferente de púa con cada instrumento. Coger un instrumento diferente es como ponerse una personalidad diferente. El sonido del instrumento inspirará la forma de tocarlo. No quiero hacer un lick de Telecaster con una guitarra de tapa plana, sobre todo porque no suena bien.

Cuando trabajas en nuevas canciones, ¿sueles componer con la guitarra acústica?
Sí, la verdad es que sí. Si tengo una en el regazo y tengo tiempo y estoy tocando por ahí, a menudo eso se convierte en una composición. Si el sonido me inspira, escribo algo. A veces escribo algo, pero la mayoría de las veces pienso: "Si es lo bastante bueno, lo recordaré".

No confío en mí mismo lo suficiente como para acordarme de cada cosa. Me siento delante del ordenador, cojo la guitarra y me grabo con la webcam. Se ve y se oye fatal, pero es suficiente para que al menos quede constancia de la idea.
Creo que eso es lo que hacen la mayoría de los escritores serios. Hay una historia sobre Roger Miller. Escribía estas líneas en trozos de papel y las metía dentro de la guitarra. Cuando estaba listo, daba la vuelta a la guitarra, la agitaba, sacaba uno de los trozos con la idea y terminaba la canción.

Es una historia genial!
Es como la historia de Keith Richards que se despertó en mitad de la noche con una idea para un riff, pero quería que sonara como una sección de trompas con trombones como la que habría utilizado Otis Redding, y entonces utilizó una caja de fuzz para crear el tono del riff de "Satisfaction". Pero la inspiración llega cuando quiere, no sólo cuando tú quieres.

Tu Takamine Signature de 12 cuerdas, el JJ325SRC-12, parece ser particularmente popular.
Quiero mencionar algo al respecto. Me encanta ese instrumento y lo he utilizado mucho. Lo toqué en el disco en solitario de Chris Hillman del año pasado. Tom Petty produjo ese álbum y fue su último proyecto musical antes de fallecer.

Hace unos años, David Vincent de Takamine me dijo que tenían problemas para mantener las 12 cuerdas en stock porque se vendían muy bien. Otro amigo fue a la fábrica de Takamine en Japón y le dijeron que no podían fabricarlas lo suficientemente rápido. Me pareció increíble, pero tenía curiosidad por saber por qué. Resulta que la guitarra es muy popular entre los músicos mexicanos. Había un artista llamado Ariel Camacho que tocaba en el estilo Regional Mexicano, y era una estrella en ese estilo. Murió muy joven, pero desde entonces se ha convertido en un icono como Selena o Bob Marley... un artista que se hizo más grande al morir que en vida. La formación de su banda lo tenía con una Takamine de 12 cuerdas, y su rítmico tocaba una de 6 cuerdas a juego. El bajo se tocaba con una tuba. Todos se inspiran en Ariel Camacho y quieren tener el mismo equipo. Fue totalmente inesperado y genial.

Hablemos un poco de sus primeros años como músico. Creció en un entorno musical, con ambos padres directamente implicados en la educación musical y la interpretación. ¿Qué impacto tuvo eso en su decisión de dedicarse a la música?
Estoy seguro de que fue un gran impacto. Como es la única casa en la que crecí, no sé cómo sería en otra. En mi casa era normal tocar música, tomar clases, ir a campamentos de música y tomárselo en serio. Si me hubiera criado en una familia de futbolistas, habría sido un campamento de fútbol y demás. Por otra parte, mi padre era profesor universitario y empecé a tocar en sus conjuntos cuando tenía 11 años.

Guau. Es increíble.
Al hacer eso, ya estaba rodeada de gente que era mucho mejor que yo, y no quería destacar por ser una mierda. Me esforzaba por encajar y que no me llamaran la atención. Así que esa experiencia es una base.

Sigo pensando lo mismo. He alcanzado un cierto nivel en mi forma de tocar y en mi carrera, pero siempre hay músicos que son mejores y a los que puedo admirar. Hay un proceso de aprendizaje constante que es un reto divertido, y que implica esforzarse no sólo por ser mejor técnicamente, sino también por tener más contenido emocional en mi forma de tocar. Miras a alguien como Leonard Cohen, que tenía una conexión emocional increíble con su público. O alguien como Albert King u Otis Rush, que tenían elementos únicos en su forma de tocar. Intento alcanzar ese punto de referencia. O un tipo como Eric Johnson, que tiene una técnica increíble, un tono precioso y toca todo el instrumento. Sigo esforzándome por alcanzar metas en esas áreas.

Has tocado tantos instrumentos que no sé qué fue primero, si la guitarra, el piano o el clarinete.
El primero fue el piano. Porque lo teníamos en casa y mi madre daba clases de piano. A lo largo de los años he visto a niños venir a casa y tocar el piano todos los días.

Desde entonces has tocado un montón de instrumentos diferentes. ¿Hay algún instrumento que haya probado y haya dicho: "No, no puedo tocarlo", o "Simplemente no me gusta tocarlo"?
Normalmente no es que no me guste, sino que me gustaría poder tocarlo bien en algún momento. Las más difíciles para mí son el violín y la trompeta.

Hay ciertas cosas que se cruzan entre los instrumentos que toco. En los teclados, los dedos están sobre las teclas. En el saxo, el clarinete y el fagot, los dedos están sobre las teclas. En los instrumentos de viento, aprendes a usar la boca, a controlar la respiración y la embocadura. En cuanto al control de la respiración, lo aprendí de niño en el coro. Los instrumentos de cuerda no son tan diferentes de un teclado, con las notas dispuestas horizontalmente delante de ti.

Pero no bajo el arco, ni lo de la embocadura de la trompeta. Esas son cosas muy importantes.

La mayoría de los músicos, incluso los que saben apreciar distintos géneros y estilos, tienden a asentarse en un tipo de música y eso es lo que tocan para siempre. ¿Por qué le atrajo la idea de dominar tantos estilos musicales?
Creo que empezó cuando era niño y tocaba en conjuntos clásicos de viento y en orquestas, y estudiaba música clásica, pero al mismo tiempo formaba parte de bandas de rock con mis amigos. Incluso a una edad temprana, ya tocaba en estos entornos diferentes, y quería que sonara bien. Si tocaba en una banda de rock, tocaba rock. Si la música era clásica y pretendía ser delicada, quería que lo fuera.

Cuando empecé a tocar otros estilos, me pasó lo mismo. Cuando tocaba bluegrass, no quería sonar como un guitarrista de rock que tocaba la mandolina. Si me gustaba ese estilo, quería hacerlo a un alto nivel. Como músico, tienes un punto de referencia interno. Si no lo alcanzas, sientes que te has defraudado a ti mismo, que has defraudado al público e incluso que, en cierto modo, has defraudado a la música.

Última pregunta: casi todos los músicos pasan por un periodo de rápido crecimiento, seguido de una meseta en la que mejorar como guitarrista parece cada vez más difícil. ¿Qué consejo darías a los guitarristas que quieren salir de la rutina y mejorar su técnica, o ampliar los estilos que les interesan?
Si eres guitarrista y te atrae la música celta, el bluegrass o la música de los Apalaches, hazte con un libro de melodías de violín y apréndetelas.

¡Guau! Impresionante idea.
Están construidos sobre canciones que son parte escalas, parte arpegios. Las melodías contienen todo eso. Al aprender esas partes, estás desarrollando habilidades que son realmente buenas para tu punteo y tu mano que trastea. Te ves obligado a hacer cosas que tus dedos no quieren hacer, y eso ayuda a tu nivel de habilidad general.

Manténgase al día de las numerosas actividades musicales de John Jorgenson en su sitio web.